Произведение, считающееся классическим в ряду древних летописей, скорее можно рассматривать как едва ли не первый в русской традиции труд настоящего историка. «Повесть….» — не летопись, записанная с чьего-то рассказа, а собранные воедино сведения из множества первоисточников и других летописей. Чтобы рассказать, «откуду есть пошла Руская земля, кто въ Киеве нача первее княжити, и откуду Руская земля стала есть», автор собрал или изучил договоры, послания, завещания князей, исторические повести и жития святых.

Правда, кто именно был этим «первым профессиональным историком», до сих пор не известно. Долгое время считалось, что «Повесть…» создал монах Нестор. Но позже было установлено, что летописные своды «Древнейший», «Свод Никона», «Начальный свод» существовали задолго до него. На сегодняшний день у исследователей нет однозначного ответа на вопрос о первоначальном составе и объёме «Повести». Однако даже в том виде, в котором произведение дошло на наших дней, оно является уникальным и важнейшим историко-литературным документом.

Один из самых знаменитых женских портретов в русской живописи появился благодаря счастливому стечению обстоятельств: двенадцатилетняя Вера Мамонтова, разгорячённая уличной игрой, вдруг вбежала в дом и присела за стол, взяв в руки персик, а молодой художник Серов, гостивший в усадьбе её отца, предложил девочке позировать. Спустя почти два месяца появилась «Девочка с персиками», всецело воплотившая задумку автора. Серов стремился передать неповторимые свежесть и свет, исходящие от героини, её особенную улыбку и прищур глаз, отражающих в себе русскую душу. Через девять лет Серов написал ещё один портрет Веры Мамонтовой, назвав его «Девушка с кленовой веткой», черты образа девушки ещё не раз появлялись в его дальнейших работах. Судьба самой «девочки с персиками» была крайне трагична: в возрасте 32 лет она заболела пневмонией и умерла.

Этим произведением Державин фактически перевернул представление общества о поэтах, из разряда «скоморохов» перевёл их в разряд мастеров серьёзного жанра. В XVIII веке было широко распространено представление о поэте-шуте, который вынужден сносить капризы и насмешки двора. Стихотворение Державина, написанное в 1795 году, стало первым произведением в русской литературе, где главным героем выступил поэт-творец, обладающий чувством собственного достоинства. Автор «Памятника» выступает в защиту поэта и говорит о необходимости признания права на свободу творчества. Позднее история о нерукотворном творении воплотилась в творчестве современников писателя: Капниста и Ломоносова. Эта тема надолго пережила эпоху и самого Державина – к ней возвращались Пушкин, Маяковский, Ахматова.

Короткое (12 строк) стихотворение Ломоносова современники восприняли как «рифмованный анекдот», в рамках юмора того времени. Как «стихотворный анекдот» произведение известно и сейчас. Парадокс в том, что для самого автора это было важное и серьёзное произведение — он пытался найти лёгкую форму знакомства читателей с устройством Вселенной. Ломоносов придавал огромное значение своему литературному эксперименту, так как это был ещё один метод борьбы за грамотность населения. Поэтому он «перекрещивал» поэтические работы с научными трудами и богословскими произведениями. Впоследствии именно «малые формы» оказались самыми востребованными из всей его многочисленной поэзии — они попадали в различные сборники. В этом смысле эксперимент Ломоносова в литературе удался точно так же, как в химии или физике.

Сегодня язык Сумарокова кажется нам тяжёлым и непонятным, но писатель отличался от других поэтов XVIII века тем, что заметно упростил слог времён Ломоносова. А в некоторых своих произведениях даже откровенно высмеивал его «неистовый» одический стиль.

Для Сумарокова ода была возможностью не только восхвалять правителя, но и лично обращаться к нему в качестве гражданина, вежливо указывая, на что следует обратить внимание. Например, в оде, посвящённой Екатерине II на взятие Хотина и покорение Молдавии, Сумароков подробно рисует военные действия против турок, которые, как он считает, необходимо предпринять императрице. Интересно, что в прозе подобные советы отнюдь не поощрялись, а в формате хвалебной оды они Екатерину II не злили. Но ни в том, ни в другом виде к советам государыня всё равно не прислушивалась и писала: «Господин Сумароков — хороший поэт, но слишком скоро думает, чтобы быть хорошим законодавцем; он связи в мыслях довольно не имеет…».

История создания самой известной картины Саврасова «Грачи прилетели» до сих пор остаётся невыясненной: мнения исследователей по поводу места её написания расходятся. Несмотря на подпись автора о том, что натурой для этой работы служило село Молвитино Костромской губернии, существует гипотеза о создании первого этюда в Ярославле. Также есть предположение, что Саврасов писал картину по памяти и окончательно завершил её, уже находясь в Москве. Но в то же время биографы художника утверждают, что пейзаж был исполнен в один день.

«Грачи прилетели» была высоко оценена современниками: картину сразу же приобрёл Павел Третьяков. Но картина пользовалась таким успехом, что автору было заказано большое количество её реплик. В них Саврасов иногда вносил изменения — все картины сразу же разошлись по различным коллекциям.

Сейчас повесть Карамзина считается классикой и, на взгляд большинства читателей, не выделяется из ряда других произведений той эпохи. На самом деле в момент выхода «Бедная Лиза» была необычайным новаторством. Дело в том, что раньше, до этого труда Карамзина, неписаным законом русской литературы была некая условность места действия. То есть описывались некие усреднённые города или неопределённая местность. Спектакль по такому первоисточнику можно было поставить в любом театре любого города и практически при любых декорациях. Повесть Карамзина поразила современников описанием конкретных мест Москвы. Бедная Лиза жила недалеко от Симонова монастыря, в Симоновой слободе, а утопилась в пруду, известном как Сергиевский. Произведение оказалось для москвичей настолько знаковым, что пруд прозвали Лизиным, как и проходившую рядом ветку железной дороги и станцию — Лизино. К середине 30-х годов XX века не осталось ни пруда, ни станции, ни железной дороги. В отличие от прославившей их повести.

Этюд «Москва, Зубовская площадь» был написан Кандинским с натуры в его собственной мастерской, расположенной под крышей шестиэтажного дома в районе Плющихи, откуда открывался великолепный вид на Кремль. Изображение Москвы, «живописного камертона», как называл её Кандинский, в особых небесно-синих тонах стало своеобразным предсказанием скорой и окончательной разлуки с городом, попыткой запечатлеть его не только в работах, но и в собственной памяти. Спустя пять лет художник навсегда покинул любимый город, а через некоторое время свой облик изменила и Зубовская площадь: был снесён изображённый в центре этюда дом и вырублены вековые липы. Сегодня московскую площадь на картине Кандинского узнать сложно, большинство зданий, изображённых на полотне, попали под снос во время расширения проезжей части по Садовому кольцу.

«Бунтовщик — хуже Пугачёва!», — заявила Екатерина II после того, как прочла повесть Радищева, и поспешила приговорить его к смертной казни. Однако «по милосердию и для всеобщей радости» казнь была заменена десятилетней ссылкой в острог, а сам роман оставался под запретом ещё 100 лет.

Даже появление повести на свет походило на детектив. Во времена Екатерины II цензура была строже, чем у её предшественников, но Радищеву всё равно удалось обойти закон и напечатать «Путешествие….» в домашней типографии. Заголовком к каждой главе он сделал один из городов, где останавливался во время поездки. В итоге цензор не увидел, что форма путевых записок была лишь способом изложения мыслей, за которые Радищев позже отправился в ссылку. Удивительно, но даже эпиграф «Чудище обло, озорно, огромно, стозевно и лаяй», символизирующий самодержавно-крепостнический строй, государственного служащего не насторожил.

Казимир Малевич в значительной мере сам способствовал возникновению культа своей картины и созданию мифов о ней. Сначала он сдвинул назад дату написания картины на два года, написав на обратной стороне холста «1913». На деле же художник завершил «Квадрат» летом 1915, незадолго до того, как представил вместе с ним новое направление в абстракционизме. Затем формально сменил название — в каталоге выставки, где состоялась премьера работы Малевича, «Чёрный квадрат» значился как «Четырёхугольник».

К началу 20-х годов о работе Малевича говорили уже во всём мире, тогда же и началась история множественных трактовок и разгадок тайны «квадрата Малевича». Самой смелой из них можно назвать такую версию: известное полотно не что иное, как маскировка неудавшейся картины, замазанной чёрной краской. На самом же деле эта картина представляет супрематизм — направление авангардистского искусства, которое выражается в комбинациях разноцветных геометрических фигур.

«Умри, Денис, лучше не напишешь», — слова, которые, по легенде, князь Григорий Потёмкин сказал Фонвизину после премьеры пьесы «Недоросль» в 1782 году. Эта фраза стала крылатой и до сих пор используется для одобрения чьего-либо успеха. Сама комедия стойко перенесла испытание временем, несмотря на то, что её восприятие обществом постепенно менялось. Современники писателя считали, что у героев пьесы нет прототипов, что это слепок и со всех разом, и ни с кого в отдельности. Но несколько десятилетий спустя труд Фонвизина стали рассматривать как памятник эпохе, и литературоведы занялись поиском фигур, стоявших за героями. В результате чего некоторые даже «разглядели» в госпоже Простаковой саму Екатерину II.

Сюжет этой басни не был придуман Крыловым — это была очередная русская адаптация истории, которая много веков путешествовала по разным странам. Поучительную сказку о хитрой лисе и доверчивой птице рассказывали Эзоп в Древней Греции, Федр в Римской империи, француз Лафонтен, немец Лессинг и многие другие. Даже в России сюжет был не нов — басню трактовали известные литераторы Тредиаковский и Сумароков. Но величие Крылова проявилось в том, что он сумел сделать язык повествования безупречно лёгким и стилистически простым. Настолько, что он был одинаково интересен и детям, и малограмотным людям, и образованным дворянам и разночинцам.

«Ворона и лисица» прославилась ещё и тем, что фактически над изданием работали два мэтра. Иллюстрации к басне создавал Валентин Серов. Художник подошёл к работе тщательнейшим образом, использовав многочисленные альбомы с зарисовками животных, а если их не хватало, бросал всё и уезжал в зоологический сад, чтобы дополнить свой «звериный» альбом рисунками.

Сегодня Некрасова знают как первого народного поэта, но сам писатель считал, что его поэзия так до народа и не дошла. Своей последней поэмой «Кому на Руси жить хорошо» он хотел восполнить этот пробел, однако из-за развивающейся болезни успел написал только половину из задуманного. Сохранившиеся черновые варианты произведения свидетельствуют о том, что Некрасов, кроме разговора с попом, помещиком, семинаристом, планировал описать встречу пытливых странников с чиновником, купцом и даже царём, чтобы выяснить, наконец, «Кому живётся весело, вольготно на Руси?».

Многим читателям финал произведения кажется нелогичным, но у этого есть простое объяснение: почувствовав приближение смерти, поэт постарался придать «законченность» четвёртой главе «Пир — на весь мир», которая так и осталась последней. Некрасов сильно переживал из-за этой недоработки и в последние дни своей жизни говорил близким: «Одно, о чём сожалею глубоко, это что не кончил своей поэмы "Кому на Руси жить хорошо"».

Публикация «Истории одного города» у современников классика вызвала резко негативную реакцию. Салтыкова-Щедрина массово обвиняли в «глумлении над русским народом» и даже (что очень странно для сатирического произведения) в «искажении фактов русской истории». В итоге интерес публики к произведениям Салтыкова-Щедрина серьёзно упал, он лишился большой части аудитории.

Удивительно, но сам автор такую реакцию читателей предполагал и пошёл на неё осознанно. Слишком сильно было желание отразить накопленные впечатления в своём произведении. Кроме явных аллюзий на императрицу Анну Иоанновну, Анну Леопольдовну, Елизавету Петровну, Екатерину II в повести Салтыкова-Щедрина даже современный читатель может найти множество пародий на других исторических деятелей.

Картина крепостного крестьянина Тропинина «Кружевница» стала известной благодаря счастливому стечению обстоятельств. В подарок на Пасху Тропинин, который 47 лет был крепостным крестьянином, от своего хозяина графа Моркова получил вольную. Он тут же отправился в Петербург с целью исполнить свою давнюю мечту — получить диплом Академии художеств, где ранее обучался искусству рисования. Среди других представленных им перед комиссией картин была и «Кружевница». Эта поездка изменила всю жизнь бывшего крепостного. Уже через год художнику присвоили звание академика, а в 1843 году его избрали почётным членом Московского художественного общества.

Сама же картина была явлением нового жанра портретной живописи, изображающего обыкновенные радости жизни, и открыла для общества художника Тропинина. Особенно отмечалось, как автору успешно удалось запечатлеть характер склонившейся над работой простой девушки.

До публикации баллады Жуковского именем Светлана девочек никто не называл. Оно было придумано незадолго до известной баллады писателем Востоковым для одной из своих поэм. Произведение Жуковского настолько полюбилось читателям, что Светлана перешла со страниц книги в народ — и это единственный в своём роде случай, когда вымышленное литературное имя прижилось в сознании людей и теперь ничем не отличается от обычных русских имён.

Публикация «Светланы» подарила миру не только новое имя, но и многие художественные произведения. Под впечатлением от баллады были написаны известные картины Брюллова «Гадающая Светлана» и Новоскольцева «Светлана». В рядах тех, кто также высоко оценил творчество писателя, был Пушкин: в «Евгении Онегине» и «Капитанской дочке» не раз можно встретить цитаты из баллады Жуковского.

Сюжет картины «Жнецы» в 1825 году Венецианов подсмотрел в жизни своих крестьян в деревне Сафонково Тверской губернии, куда уехал из Петербурга в поисках вдохновения. Крестьяне к тому времени уже привыкли видеть бродящего в полях с холстом хозяина и совсем не стеснялись художника. В одну из таких прогулок Венецианов увидел трудящихся на уборке урожая мать с сыном и решил запечатлеть их на своём холсте.

Некоторые критики в картине «Жнецы» отмечают неестественность поз героев и связывают это с непривычным и утомительным для крестьян позированием. Но чаще искусствоведов восхищает изображение бабочек на холсте, которые прорисованы настолько правдоподобно, что их легко можно принять за живых, по этой же причине картину «Жнецы» иногда называют картиной-обманкой.

История восприятия знаменитой комедии кажется не менее интересной, чем само произведение. Далеко не все выдающиеся умы трактовали «Горе от ума» так, как трактуют его сегодня в российских школах, опираясь на статью Гончарова «Мильон терзаний». Чацкий в этой статье Гончарова «не просто умён, но положительно умён», он «воин-победитель» пороков и тому подобное. Однако точка зрения автора «Обломова» в корне не совпадает с мнениями о главном герое Пушкина и Гоголя. Не отрицая гениальности всей комедии, Александр Сергеевич считал, что Чацкому явно не хватает ума. Не стал бы действительно умный человек метать бисер перед свиньями, в данном случае — распаляться перед Фамусовыми, Репетиловыми и Скалозубами. Схожее мнение и у Гоголя — писатель был уверен, что хотя Грибоедов точно подметил некоторые черты представителей света, все его герои не представляют из себя чего-то цельного, а безудержно болтающий Чацкий местами просто смешон и не может являться примером, которым его считают и сегодня.

Когда читают знаменитый роман Пушкина, немногие задумываются о его сложнейшей поэтической структуре. Писатель хотел найти для своего произведения особую строфу, которая бы не превратила роман в груду мало связанных друг с другом отрывков. И он блестяще вышел из положения, вспомнив о структуре сонетов и од. Пушкин создал так называемую «онегинскую строфу», гибкую, живую и одновременно ёмкую, способную воплотить масштабный замысел. Каждая строфа состоит из 14 строк, включающих в себя три четверостишия и заключительное двустишие, у каждого — разные системы рифмовки. Благодаря такой строфе роман Пушкина и сегодня читается легко, а в XIX веке он кардинально отличался от тяжеловесных поэм современников. Читатели высоко оценили находку Пушкина, а после выхода «Евгения Онегина» многие поэты переняли его новаторскую строфу. Даже Лермонтов в шутливой «Тамбовской казначейше» говорил «Пишу Онегина размером».

Публику того времени картина поразила отражением быта — не приглаженного и словно застигнутого врасплох. Эффект от демонстрации «Сватовства…» был сравним с показом хорошей кинокомедии в наши дни — зрители смеялись до слёз. Вещи, которые сейчас кажутся милыми фрагментами, когда-то были вершиной художественного юмора. К примеру, платочек невесты, неуместный к её бальному платью, или взволнованно застёгивающий сюртук купец.

В поисках натуры для картины «Сватовство майора» художник обошёл десятки купеческих домов, но, как ни странно, подходящую комнату он в конце концов нашёл в трактире. Есть сведения, что Федотов намеревался, как сказали бы сейчас, «сделать сиквел» — написать продолжение «Сватовства», изобразив переезд молодой семьи в родительский дом невесты, но, по неизвестным причинам, так к работе и не приступил.

Многие писатели в 1830-х годах стремились создать роман о современности, но успешно с этой задачей справился только Лермонтов. Из опыта современников он понял, что лучшая форма для романа — это собрание повестей, рассказов или очерков. Именно по этой причине каждая из глав «Героя нашего времени» имеет свой законченный сюжет и может быть прочитана как самостоятельное произведение. Такая задумка ввела в заблуждение многих современников Лермонтова, которые не сразу распознали в «Герое нашего времени» роман. И даже журнал «Отечественные записки», где были напечатаны первые главы романа, представил его как «собрание повестей».

Впервые все главы романа Лермонтов опубликовал вместе в 1840 году, но и тогда «Герой нашего времени» был неполным. Предисловие, которое стало своеобразным объяснением с читателями и критиками, автор дописал только в 1841 году, через три года после того, как первую главу «Бэла» впервые увидели на страницах «Отечественных записок».

В основе произведения лежит реальный инцидент, произошедший в городе Бендеры, где в течение нескольких лет не было зафиксировано ни одной смерти. Однако в поселении не происходило ничего сверхъестественного: люди умирали, а имена умерших просто присваивали беглым крестьянам. Этот анекдот в качестве сюжета Александр Сергеевич Пушкин подсказал Гоголю, и тот взялся за работу над поэмой – именно так охарактеризовал жанр «Мёртвых душ» сам автор. Он собирался создать её по аналогии с «Божественной Комедией» Данте Алигьери, в произведении планировалось три части: ад, чистилище, рай. Но, как известно, замыслу писателя не суждено было сбыться в полной мере: второй том Гоголь сжёг, а к написанию третьего так и не приступил.

Сегодня «Купчиха за чаем» кажется нам обычным портретом, но для современников Кустодиева это была не просто картина, она стала предвестником изменений и настоящим символом счастливой жизни. Всё дело в том, что полотно создавалось в 1918 году, когда страна переживала страшный голод, и изобилие, изображённое на холсте, полная ярких красок беззаботная жизнь были заветной мечтой не только художника, но и всех его современников.

«Купчиха за чаем» — далеко не первый портрет Кустодиева: он часто обращался к образам женщин, писал их в самых разных интерьерах и ракурсах, обнажёнными и разодетыми. Но именно эта картина выделяется среди других работ особенным жизнелюбием. И даже в эти тяжёлые для страны годы Кустодиев не терял оптимизма: в фигуре купчихи, впрочем, как и в немыслимом для простого обывателя натюрморте всевозможных угощений можно разглядеть иронию автора.

Самый известный русский роман о лентяе автор создавал неспешно и медленно — «Обломов» писался 12 лет. И тема, и срок работы объяснялись в том числе и характером самого Гончарова. Больше всего он любил безмятежность и покой — настолько, что в дружеских кругах его прозвали «Принц де Лень». Поэтому в Обломове искусствоведы видят многие черты самого писателя. На удивление долгое создание книги сыграло в её пользу — роман увидел свет в период острейшего кризиса крепостничества, а образ апатичного, не способного к деятельности помещика оказался особенно актуальным. Поэтому работу Гончарова встретили как важнейшее общественное событие, излюбленный предмет для обсуждения.

К теме лени и хандры Гончаров присматривался и раньше — в повести «Лихая болесть», написанной за 10 лет до начала работы над «Обломовым», леность и пустые мечтания описаны как заразная болезнь, эпидемии которой поражали разные страны.

Картина Брюллова после своей демонстрации невольно породила длительный спор поклонников и искусствоведов. Причиной спора стал прототип всадницы. Долгое время было принято считать, что в этом образе запечатлена графиня Самойлова — возлюбленная Брюллова, который изобразил её на нескольких своих работах. Несмотря на различия во внешности Самойловой и «всадницы», доказательством считалась маленькая деталь картины: на ошейнике выбежавшей на крыльцо собаки крошечными буквами написано «Samoylo» — фамилия заказчицы. Лишь после изучения поздних портретов Самойловой и её семьи искусствоведы пришли к выводу, что на холсте изображены приёмные дочери графини.

«Всадница» Брюллова оказалась одной из первых картин в русской живописи, объединивших совершенно разные жанры: пафосный парадный портрет и обычную бытовую сцену. Традиционно на лошади в XIX веке было принято изображать властвовавших особ, а Брюллов нарисовал хрупкую девушку, чем удивил не только простых зрителей, но даже других художников.

Повесть «Очарованный странник» для современников Лескова так и осталась незамеченной. Произведение критики не оценили, да и к публикации его допустили не сразу. Например, главный редактор журнала «Русский вестник» Катков вообще отказался напечатать рукопись, называя её «сырой», а темой «Очарованного странника» был разочарован. После антидемократического романа «Некуда» от писателя ожидали новых сочинений на острые политические темы, а вместо этого на страницах повести он изобразил русского «праведника». Лескова даже обвиняли в отсутствии фабулы: в «Очарованном страннике» нет одного центрального события, вокруг которого развивалось бы действие. И только через 20 лет после написания повести критики смогли увидеть и оценить главную её особенность: книга сходна с церковной литературой, в которой описана жизнь героя, его детство и борьба с искушениями.

Картина удивительным образом пережила два периода массового интереса к себе, причём в совершенно разных эпохах. Впервые — после написания в 1883 году, она считалась воплощением аристократизма и была очень популярна у искушённой петербургской публики. Неожиданно ещё один всплеск интереса к «Неизвестной» произошёл уже во второй половине XX века. Квартиры украшались вырезанными из журналов репродукциями работы Крамского, а копии «Неизвестной» были одним из самых популярных заказов у художников всех уровней. Правда, почему-то картина была известна уже под названием «Незнакомка», возможно, под влиянием одноимённого произведения Блока. Были созданы даже конфеты «Незнакомка» с картиной Крамского на коробке. Так ошибочное название работы окончательно «вошло в жизнь».

Многолетние исследования того, «кто же изображен на картине Крамского», не дали результатов. По одной из версий, прототипом «символа аристократичности» стала крестьянка по имени Матрёна, вышедшая замуж за дворянина Бестужева.

Знаменитая пьеса Островского не сразу была признана одной из вершин русской драматургии: после публикации она долгое время то подвергалась разгромной критике, то удостаивалась громких похвал. Островский создал пьесу вскоре после того, как проникся идеями славянофилов. Это влияние отразилось и на его работе — «Бедность не порок» обличает самые неприглядные черты русского общества, однако писатель не идёт до конца — в любом человеке, даже самодуре, он оставляет способность сохранить нравственные черты. Именно это прославило пьесу, но и навлекло на автора гнев демократов. Чернышевский на страницах «Современника» заявил, что Островский ступил на скользкую тропу и «впал в приторное приукрашивание того, что не может и не должно быть приукрашиваемо». Считается, что Островский прислушался к критике, и в качестве свидетельства этому приводят «Грозу», где в образах отрицательных героев писатель не оставляет и луча надежды.

После завершения работы над романом Тургенев не хотел торопиться с его публикацией. В стране в это время бунтовали демократы, и писатель не желал своей рукописью «подливать масла в огонь». Но «литературный купец» Катков, редактор журнала «Русский вестник», настойчиво требовал обещанный автором роман. В результате в самый разгар правительственных гонений на молодое поколение, в феврале 1862 года, «Отцы и дети» увидели свет. Как и ожидал писатель, читатели разбились на два лагеря: за демократов Базаровых и за либералов Кирсановых. Автора ругали и те, и другие. Тургенева обвиняли в классовой ограниченности, в карикатуре на представителей демократов и в низкопоклонстве перед ними же. Последние обвинения можно считать небезосновательными, так как сам автор «Отцов и детей» признавался, что во время написания чувствовал невольное влечение к Базарову.

Сюжет этой картины часто вызывает ассоциации с образами сказки Пушкина о Царе Салтане, но на самом деле в ней отображена древняя история — путь варягов на Русь. За три года до создания «Заморских гостей» Рерих совершил путешествие по знаменитому торговому пути «из варяг в греки» и принял участие в археологических раскопках в Новгородской, Тверской и Псковской губерниях. Свои впечатления художник изобразил в цикле картин «Начало Руси. Славяне», одной из которых стали «Заморские гости». Интересно, что, помимо самого холста, Рерих создал и его литературный вариант, в котором не скупился на яркие эпитеты и образы. Исследователи не раз отмечали, что литературный и живописный варианты художника точно повторяют друг друга в большинстве деталей, что говорит об уникальном художественно-образном мышлении Рериха.

В Раскольникове Достоевский соединил сразу два прототипа: французского убийцу-интеллектуала Пьера-Франсуа Ласенера, обвинявшего во всех своих деяниях общество, и московского приказчика Герасима Чистова, обвинённого в жестокой расправе над двумя старушками. Но к созданию «Преступления и наказания» в 1865 году Достоевский приступил не по доброй воле, а потому, что проиграл в казино и для оплаты многочисленных долгов ему срочно понадобились деньги. Так, в крошечной съёмной комнате в немецком городе Висбадене с отключенным за неуплату светом Достоевский начал работу над одним из самых значимых произведений мировой литературы. И уже с января по декабрь 1866 года в журнале «Русский вестник» был опубликован весь роман «Преступление и наказание». Достоевский торопился к каждому выпуску завершить новую главу, и уже после публикации всех частей без спешки доработал рукопись.

Так и осталось тайной истинное значение названия романа-эпопеи Толстого. По легенде, сам автор использовал в заглавии дореволюционное написание слова «мiръ», что значит «общество», «Вселенная». А при публикации книги на обложке оказалось написано «миръ» — слово-антоним «войны». Но настоящей проблемой для понимания романа современными читателями могло стать другое: в первых изданиях «Войны и мира» многочисленные диалоги героев на французском языке были даны без перевода. Из чего можно сделать вывод, что любимец простого народа, учредитель крестьянской школы писал свой роман для дворян, так как другие сословия в XIX веке едва ли знали французский язык и не могли прочесть произведение русского автора.

Известно, что Толстой работал над романом целых 6 лет, за это время он полностью переписал некоторые фрагменты книги до 25 раз. А в архиве писателя было обнаружено более 5200 мелко исписанных страниц с заметками к роману, среди них и собственные эскизы Толстого к Бородинскому сражению.

Не про двоечника, а про отличника могли бы писать сочинения по знаменитой картине Решетникова в советских и российских школах. «Опять пятёрка» — так, по замыслу художника, должно было называться его новое полотно. Во время подготовки к работе над картиной Решетников посещал школьные уроки и наблюдал за учениками, стараясь уловить их эмоции. Однажды на его глазах один из школьников не справился с заданием и получил двойку. Переживания мальчика настолько впечатлили художника, что он в корне поменял свой замысел и изобразил на холсте двоечника.

Ещё в школе внимание учеников обращают на «говорящие детали» в картине Решетникова, например, окно посередине холста означает символ надежды на светлое будущее мальчика, а на заднем плане полотна запечатлена предыдущая работа художника «Прибыл на каникулы», где изображён бравый суворовец — полная противоположность герою картины «Опять двойка».

Автор «Вишнёвого сада», как и герои его произведения, на собственном опыте пережил трагическую «продажу имения». В детстве писателя близкий друг его семьи жестоко обманул Чеховых и приобрёл за бесценок «родовое гнездо» семейства. Возможно, именно эта пронесённая сквозь годы беда отозвалась в пьесе «Вишнёвый сад». Также воздействие оказало и разорение дворянства в конце XIX века: запущенные и умирающие усадьбы Чехов наблюдал рядом со своим имением в Мелихове.

Интересно, что сам автор называл «Вишнёвый сад» комедией, а воспринимать иначе публика её стала после постановки пьесы на сцене Станиславским и Немировичем-Данченко. Режиссёры лишили текст Чехова смешных эпизодов и представили зрителям «тяжёлую драму русской жизни». Сам автор был против такой трактовки произведения, эта постановка принесла ему только огорчения и привела к суровому заключению: «...сгубил мне пьесу Станиславский...».

Эта картина стала новым словом в русской живописи начала XIX века и имела серьёзный успех у публики. Было множество желающих приобрести реплику полотна, но из любви к искусству автор не мог создавать абсолютно идентичные копии. Повторяя сюжет, он каждый раз изменял оттенки и тон изображения.

«Новый Рим. Замок Святого Ангела» художник создал в 1818 году, когда переехал в Италию. На картине он изобразил вид на реку Тибр, открывающийся с места неподалёку от своего дома. Художник нарушил традицию, согласно которой Вечный город Рим изображался в праздничном и величественном виде, и вывел на первый план квартал бедняков. Замку Святого Ангела и собору Святого Петра художник отвёл место лишь на заднем плане. Щедрин тем самым словно хотел подчеркнуть, что течение жизни не прекращается и не стоит зацикливаться на одной лишь древности.

Знаменитый роман Булгакова создавался автором в течение 11 лет и за это время претерпел четыре редакции. В первых редакциях «Мастера и Маргариты» не было ни Мастера, ни Маргариты, а Воланд выступал исключительно в традиционном облике дьявола, искусителя и провокатора. Затем появился образ Маргариты, и только после — образ её безымянного спутника (Мастера). Спустя восемь лет после начала работы над романом было утверждено его окончательное название. «Чёрный ад», «Вот и я», «Великий канцлер», «Шляпа с пером», «Копыто консультанта» — вот только некоторые варианты, которые могли стать заголовком романа. В 1938 году набело была перепечатана последняя редакция произведения, а в 1939 добавлены эпилог и сцена явления Левия Матвея Воланду с решением судьбы Мастера. Но до последних дней жизни Булгаков не прекращал править и дорабатывать свой роман. По свидетельству мемуаристов, последний раз он работал над романом 13 февраля 1940 года (умер писатель 10 марта 1940 года).

Константин Маковский в Императорской академии художеств считался одним из самых талантливых мастеров. К моменту выпуска из академии у Маковского была уже целая коллекция наград и различных премий. Его работы пользовались бешеной популярностью, и даже Павлу Третьякову они были не по карману. Художнику удавалось продавать их богатым коллекционерам всего мира за огромные деньги.

В 1880-е Маковский заинтересовался женскими костюмами, принятыми на Руси в XV–XVII веках, из-за их красочности и даже некоторой вычурности и создал целую серию полотен с русскими боярынями — в том числе знаменитую картину «Боярышня у окна». Огромным спросом у публики пользовались все его нарядные боярыни, боярышни и русские красавицы. Однако чрезмерное увлечение цветом и формой впоследствии позволило бывшим соратникам художника называть эти картины хоть и поразительными, но слишком поверхностными.

«Враг Российской империи номер один» — именно так в документации называли Чернышевского из-за его революционных взглядов. Обвинённый в составлении агитационных листков писатель-демократ был заключён в Петропавловскую крепость. И там ровно за 112 дней написал роман «Что делать?».

Революционное «Что делать?» могло бы и не увидеть свет, если бы цензура не увлеклась любовной интригой в сюжете произведения, пропустив политический подтекст. В журнале «Современник», где выходил роман Чернышевского, понимали, что в любой момент власти могут спохватиться и запретить публикацию очередных глав, поэтому роман печатался в спешке, содержал много опечаток и небрежностей — некоторые из них до сих пор считают невыправленными. Как и ожидали издатели, произведение писателя-демократа вскоре было запрещено, а все номера «Современника» за 1863 год, содержащие главы романа, изъяли и спрятали от читателя ещё на сорок лет. Но было уже поздно: несмотря на запреты «Что делать?» в рукописных копиях разошёлся по всей стране.

Исследователи предполагают, что особую роль в создании романа «Доктор Живаго» сыграла Ольга Ивинская — возлюбленная Пастернака, с которой его связывали долгие и трагические отношения. 56-летний писатель и 34-летняя сотрудница отдела поэзии впервые встретились в редакции журнала «Новый мир». Роман влюблённых стремительно развивался. Поэт стал жить на две семьи: к моменту встречи с Ольгой он был женат на Зинаиде Николаевне Нейгауз уже десять лет. Спустя три года после знакомства с Пастернаком Ивинская была арестована. Причиной заключения стало её общение с писателем, которого обвинили в «контактах с английской разведкой». Женщину приговорили к пяти годам заключения и отправили в деревню Потьма Мордовской области. По возвращении Ольга с Пастернаком не расставалась уже до самой смерти писателя. Возможно, именно она стала реальным прототипом героини «Доктора Живаго» Лары и адресатом многих стихотворений, в том числе из цикла «Стихотворения Юрия Живаго».

Корзухин всегда хотел работать в новой реалистической манере, а не в классическом стиле, который ему навязывали профессора XIX века. В 1863 году он был одним из участников скандального «Бунта четырнадцати», в котором лучшие выпускники Императорской академии художеств публично выступили против академического стиля живописи.

Спустя годы Корзухин стал одним из основателей нового направления русской реалистической живописи. В своих произведениях он передавал характерные типы русского простонародья, купечества и ремесленников, запечатлевал обычные моменты из жизни людей. В частности, в картине «Разлука» художник изобразил привычную для того времени сцену: прощание помещичьей семьи с мальчиком-кадетом и последние наставления матери перед долгой разлукой.

Создание стихотворения «Шёпот, робкое дыханье...» стало последствием тяжёлой драмы, которую пережил его автор. Во время военной службы Фет познакомился с юной девушкой из небогатой семьи Марией Лазич. Между молодыми людьми сразу возникло сильное чувство, но поэт решил не жениться на девушке, потому что тоже был беден. Кроме того, Фет надеялся получить дворянское звание, и в этом случае небогатая Мария Лазич не могла составить ему достойную партию. Вскоре после разрыва отношений с юной особой писатель узнал об ужасной трагедии: девушка погибла. Она сгорела в собственном доме от неосторожно брошенной спички. Фет помнил Марию всю жизнь и именно ей посвящал свою любовную лирику.

Стихотворение «Шёпот, робкое дыханье...» состоит из единственного предложения, в котором нет ни одного глагола. Всего в 12 строчках поэту удалось передать все оттенки чувств влюблённых, встретившихся ранним утром в саду. Для многих читателей это произведение стало символом всей поэзии Фета.

Когда картину Нестерова в начале XX века впервые представили публике, она неприятно поразила зрителей. Многие критики, в том числе и известные художники, во весь голос кричали, что это полотно «вредоносно». По их мнению, Нестеров ступил едва ли не на поле иконописцев, а скрещивать художественное произведение с церковным образом они считали недопустимым. Однако были и те, кто почувствовал тонкий замысел автора, который заставляет замирать публику перед картиной и сегодня: художник на одном полотне соединил божественное и реальное — образы старца и мальчика.

Сам Нестеров был убеждён, что это полотно — его лучшая работа, а на старости лет любил повторять: «Жить буду не я. Жить будет "Отрок Варфоломей". Вот если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я».

«Весенняя гроза» отмечена автором сразу двумя датами написания: 1828 и 1854 годы. Дело в том, что сначала Тютчевым были созданы первые три четверостишья, а позднее, в 1854 году, поэт внёс небольшие поправки и дополнил стихотворение ещё четырьмя строчками. Удивительно, но одно из самых ярких стихотворений, посвящённых русской природе, было написано за границей. В 1828 году в качестве внештатного дипломата Тютчев находился в немецком городе Мюнхен. Именно там он начал «Весеннюю грозу», на следующий год опубликованную в московском журнале «Галатея». В своём стихотворении поэт воплотил светлые воспоминания об Орловской губернии, которые сохранились у него с самого детства. Долгое время «Весенняя гроза» была известна в неполной версии, но спустя 26 лет, уже на родине, автор доработал своё стихотворение.

Печальная, и в то же время неопределённая развязка рассказа Бунина «Солнечный удар» перекликалась с непростым периодом в жизни самого писателя и его родины. Революционные события в России вынудили Бунина в 1918 году переехать из большевистской Москвы в Одессу, а позднее — навсегда покинуть пределы страны, эмигрировав во Францию. Он с болью принимал происходящие в России изменения и предрекал им трагический исход. Во время эмиграции все мысли писателя были о родине, а его одиночество нарушалось лишь мимолётными ощущениями любви, которые отразились в рассказе «Солнечный удар». Из-за необычайной правдивости сюжета рассказа и реалистичности его деталей автора часто спрашивали, не был ли он сам участником описываемых событий. Но Бунин отрицал подобное отождествление с героями и говорил, что все они — плод его воображения.

Куприн был крайне возмущён, когда в 1913 году продолжение его повести «Яма» было выпущено под чужим именем. Дело в том, что сам он писал и публиковал её по частям. Первая часть вышла несколькими годами ранее этого инцидента и вызвала бурную реакцию общественности, что неудивительно, ведь в своём произведении Куприн изобразил самые разнообразные картины судеб женщин, оказавшихся на «дне» жизни. В тот момент, когда писатель собирался издать продолжение, он узнал, что вместо него повесть окончил и издал некий «Граф Амори» — известный петербургский сочинитель лёгких бульварных романов. Самое неприятное заключалось в том, что «Граф Амори» использовал те же сюжетные ходы и эпизоды, которые были у Куприна в ещё неопубликованной второй части. Куприн публично выступил с протестом против подобной подделки, но это ни к чему не привело: фальшивое продолжение повести быстро распространилось среди читателей. Позднее настоящий автор «Ямы» всё же выпустил вторую и третью части произведения, но они уже не имели такого успеха, как первая.

В 1902 году цензура посчитала, что Горький в своей новой пьесе «На дне» чрезмерно раскритиковал капиталистическое общество, из-за чего её постановка была запрещена. Около полугода Горький отстаивал чуть ли не каждую фразу в тексте, в результате постановку «На дне» разрешили в Московском Художественном театре (ныне МХАТ им. А. П.Чехова). Ещё через полгода напряжённой работы состоялась премьера пьесы. Цензура надеялась на полный провал драмы, но, напротив, постановка имела небывалый успех: под громкие аплодисменты зрители вызывали Горького на сцену более пятнадцати раз.

По словам самого автора, написанию драмы предшествовали двадцать лет наблюдений за жизнью «бывших людей», озлобленных и униженных неудачами. Также писатель отмечал, что у его героев были реальные прототипы. Актёра он писал с нижегородского артиста Колосовского-Соколовского, а Бубнов совместил в себе черты двух знакомых автора — нищего и интеллигента.

«Сегодня я — гений» — эта фраза появилась в записной книжке Блока, когда он всего за несколько дней написал поэму «Двенадцать». Меньше года прошло после Февральской революции и два месяца с момента большевистского переворота — поэт был воодушевлён и хотел отразить в новом произведении свои истинные мысли и чувства: революция, как «мировой пожар», должна испепелить всё старое, чтобы уступить место новому. Через три года после написания поэмы Блок умер, а перед смертью он просил жену уничтожить все до единого экземпляры поэмы «Двенадцать». Переоценка произведения автором произошла только потому, что к 1921 году в корне поменялось его восторженное отношение к революции и большевикам.

Интересно, что название поэмы Блок утвердил ещё до её написания. Заглавие «Двенадцать», как правило, связывают с количеством частей поэмы и её главными героями — двенадцатью красногвардейцами. Но есть версия, что автор имеет в виду определённый рубеж, границу и скорое начало отсчёта чего-то нового.

Картина написана по сюжету одноимённой повести Карамзина, с восторгом встреченной публикой в 1792 году. Спустя 35 лет после публикации «Бедной Лизы» знаменитый мастер портрета Кипренский вновь обратился к трогательной истории о юной крестьянке, соблазнённой молодым дворянином, и воплотил своё видение Лизы на холсте. Слова Карамзина «и крестьянки любить умеют» стали в конце XVIII века девизом целого поколения просвещённой дворянской молодежи, но Кипренский, будучи человеком нового поколения, уже спокойнее воспринимал сентиментальность прошедшей эпохи. Искусствоведы отмечают в его полотне не только чистоту и нежность героини, но и холодноватый блеск красок. Художественный язык картины прост, но наполнен символами. Сочетание розового и белого цветов в одежде Лизы означают чистоту и свежесть юности, а гвоздика в её руке — нежную искреннюю любовь.

«Облако в штанах», как и многие другие произведения, Маяковский посвятил своей музе Лиле Брик. Интересно, что поэма была написана ещё до их знакомства, а на её создание писателя вдохновляли другие женщины. Работу над произведением Маяковский начал в 1914 году, когда безответно влюбился в скульптора Марию Денисову. А завершил «Облако в штанах» во время романа с младшей сестрой Лили Брик, Эллой Каган.

Революционная поэма изначально носила название «Тринадцатый апостол», но автор был вынужден сменить его под давлением цензуры, пригрозившей ему каторгой. Тогда Маяковский обратился к фразе, которую однажды сказал случайной попутчице в поезде: «Я не мужчина, а облако в штанах», — так он хотел убедить её в своей лояльности. Цензуру этой фразой успокоить тоже удалось. В 1918 году произведение было опубликовано, а в предисловии к нему Маяковский писал: «Облако в штанах» (первое имя «Тринадцатый апостол» зачёркнуто цензурой. Не восстанавливаю. Свыкся).

Стихотворение начинающего поэта Сергея Есенина «Гой ты, Русь, моя родная!» вызвало немало споров в литературной среде. Причиной стала деревенская тематика произведения, обращение к миру крестьян, природе и устному народному творчеству. В 1914 году такая тема казалась необычной, и некоторые критики даже выступали против подобной «новокрестьянской» поэзии, считая, что она искусственна и не имеет ничего поистине народного. Другие же с одобрением цитировали стихотворение Есенина и говорили, что оно в полной мере передаёт живописность русской природы и русскую душу.

Стихотворение «Гой ты, Русь, моя родная!» воплотило в себе самые тёплые воспоминания Есенина о детстве. За два года до его написания будущий известный поэт переехал в Москву из родного села Константиново в Рязанской области. Всё это время его не покидали мысли о родном крае. Именно поэтому начальный период творчества Есенина наполнен картинами природы и спокойной счастливой сельской жизни.

Знаменитый пейзажист XX века Горбатов объездил всю Европу, долгое время жил в Италии, но больше всего любил рисовать портреты русских северных городов: Новгорода и Пскова. В коллекции художника известны сразу две картины под названием «Старый Псков»: одну он написал в 1913 году, другую — в 1915. На обеих картинах запечатлён зимний город, но, несмотря на схожий сюжет, полотна сильно различаются, в первую очередь, цветами и настроением пейзажа.

Современники Горбатова считали, что он был единственным петербургским художником, которому удавалось хорошо изображать жизнь провинциальных городов. Его полотна были всегда узнаваемы, а их живописная красота обеспечивала успех у публики. Все картины мастера легко распродавались с выставок. Но круг поклонников и покупателей художника распался сразу после революции, после чего он уехал из России, и на его картинах всё чаще стали появляться портреты европейских городов.

Поэма Ахматовой не случайно носит название траурного музыкального произведения. В её основу легли трагические события советской истории — годы репрессий. Тогда поэтесса пережила страшное горе: её первый муж был арестован по подозрению в заговоре и расстрелян. Затем задержан их сын-студент и приговорён к десяти годам заключения в сибирских лагерях.

В 1960-е годы, когда Ахматова дорабатывала «Реквием», мало кто мог похвастаться, что читал поэму целиком. Поэтесса озвучивала произведение, посвящённое жертвам террора 1930-х годов, только самым близким друзьям, а затем сразу сжигала рукописи. Люди заучивали строки «Реквиема» наизусть, записывали в дневники и передавали друг другу. Тогда же поэма начала распространяться в самиздате, а один из списков произведения попал за границу и был опубликован в Германии без ведома автора. Полный текст «Реквиема» в СССР впервые был опубликован лишь спустя 21 год после смерти Ахматовой, в 1987 году.

Друзья Цветаевой часто рассказывали о её удивительной интуиции: многое из того, что говорила поэтесса, в точности сбывалось. Вот и стихотворение «Моим стихам, написанным так рано...», созданное Цветаевой в 21 год, стало предсказанием её творческой судьбы. В начале XX века к женщинам-поэтам относились скептически, поэтому завоевать должное внимание читателя и критики Цветаевой так и не удалось. Сборники поэзии Цветаевой при жизни поэтессы не пользовались популярностью, но, как и предсказывала она в своём стихотворении, «настал черёд» её произведениям. Увы, это произошло уже после трагической смерти писательницы: спустя двадцать лет новое поколение читателей по достоинству оценило её поэзию и признало в ней великого поэта. Именно поэта, потому что сама Цветаева просила поэтессой её не называть, чтобы её стихи не относили к так называемой легкомысленной «женской поэзии».

Мандельштам написал «Ленинград» в 1930 году после пятилетнего перерыва в творчестве, когда вернулся в город детства после долгих лет скитаний по другим странам. Спустя эти годы ставший Ленинградом Петербург значительно преобразился: изменились и заполнявшие его улицы здания, и люди. Но, несмотря ни на что, Мандельштам всё так же любил город, в котором провёл детские и юношеские годы.

Литературоведы отмечают, что «предощущение трагической гибели» пронизывает многие стихи Мандельштама, так и в «Ленинграде» автор предчувствовал свою трагическую судьбу: «И всю ночь напролёт ожидаю гостей дорогих». Предчувствие его не подвело. Четыре года спустя Мандельштам будет арестован и сослан на трёхлетний срок в Пермский край за антисталинскую эпиграмму, прочитанную всего перед десятком людей. После возвращения не пройдёт и года, как его отправят в лагерь на Дальний Восток, где через семь месяцев поэт скончается. А его имя ещё 20 лет в СССР будет оставаться под запретом.

В 70–80-е годы XIX века в русской живописи произошёл всплеск интереса к историческим мотивам — художники то и дело изображали картины событий прошлых веков. Не остался в стороне и молодой московский живописец Клавдий Лебедев. В начале 80-х он обращается к теме боярской жизни — сначала из-под его кисти появляется «Молодой боярин за столом», затем «Выход боярышни из церкви», а в 1883 году — прославившее его полотно «Боярская свадьба». Эту картину автор представил годом позже на XII выставке работ художников-передвижников, противопоставлявших себя академической живописи XVII–XIX веков. Не только простых зрителей, но и критиков «Боярская свадьба» сразу поразила точностью и яркостью, с которой Лебедев изобразил характеры людей XVI–XVII веков.

«Сюжет не нов, повторено страданье» — такой эпиграф к «Котловану» сохранился в черновиках Платонова. Действительно, сюжет повести новизной не отличался, в его основе лежит библейское предание о тщеславных жителях, желающих построить Вавилонскую башню высотой до самых небес.

Платонов не случайно указал точные даты создания «Котлована» — декабрь 1929 – апрель 1930 годов, ведь на этот период в стране пришёлся пик коллективизации и ликвидации кулаков. В то время писатель работал в отделе Народного комиссариата по улучшению сельскохозяйственных угодий и сам был свидетелем переустройства жизни. Своё отношение к бессмысленности тоталитарного строя Платонов выразил в «Котловане», который при жизни автора к изданию так и не допустили — долгое время повесть распространялась в самиздате. Официально впервые её опубликовали в ФРГ в 1969, а в СССР — только в 1987 году в журнале «Новый мир».

Запрещённый в Советской России роман Замятина был широко известен за границей, где стал первой антиутопией — произведением, отрицающим возможность создания совершенного общества. Он напрямую повлиял на творчество английских писателей Джоржда Оруэлла и Олдоса Хаксли, в частности на их знаменитые романы-антиутопии «1984» и «О дивный новый мир».

В 1920 году советская цензура сразу разглядела в «Мы» издёвку над коммунистическим строем, а в литературных кругах его расценили как «проявление вредительства интересам советской литературы». На волне жёсткой критики Замятину пришлось выйти из Всероссийского союза писателей и покинуть страну. Свой роман Замятин впоследствии сравнивал с петухом из персидской басни, который каждое утро пел на час раньше остальных, чем ставил в неловкое положение своего хозяина. Автор понимал, что слишком рано написал пародию на коллективизм: страна ещё была не готова принять такую сатиру. Только спустя 68 лет после создания романа его опубликовали в России.

Знаменитая картина Марка Шагала объединила в себе все знаковые мотивы творчества художника. На ней автор изобразил себя вместе со своей женой и музой Беллой воспарившими над родным Витебском. На полотне Шагал словно возвысился над всем, что происходило в начале XX века в стране, абстрагировался от войны и революции.

В эти годы автор действительно был окрылён счастливой семейной жизнью и идеями зарождающегося коммунистического строя. Но вскоре в Витебск со всей страны стали съезжаться лучшие представители отечественного авангардного искусства. Среди них был и знаменитый столичный художник Казимир Малевич, с которым Марк Захарович не сошёлся во взглядах. После очередного конфликта с художником Шагал задумался о смене места жительства и навсегда уехал из родного Витебска, сначала в Москву, а затем за границу.

Фадеев так и не получил высшее образование, училище он бросил в 1918 году, решив посвятить себя революционной деятельности. Затем он вступил в Особый Коммунистический отряд красных партизан и активно принимал участие в боевых действиях на Дальнем Востоке. Там писатель видел многое: победы и поражения, героизм и трусость, самоотверженность и предательство — всё это послужило ценным материалом для создания будущего романа «Разгром».

Прототипами главных героев произведения о становлении советской власти стали знакомые автору участники партизанского движения, а в его основу лёг написанный Фадеевым ранее рассказ-этюд «Метелица». Весь 1926 год писатель трудился над новым романом, по словам автора, многие эпизоды он переписывал более двадцати раз, и как оказалось, не зря: «Разгром» был признан и властью, и читателями, он сразу принёс Фадееву славу и признание.

«Дама в голубом» сегодня считается одним из самых известных женских портретов, созданных русским художником, а публика начала XX века даже окрестила его «Моной Лизой и Джокондой современности». В образе таинственной Прекрасной Дамы художник изобразил свою коллегу по Академии художеств Елизавету Михайловну Мартынову, с которой его связывала не только дружба. Мартынова, по признанию современников, была натурой эмоциональной, гордой, но лишённой художественного таланта, однако её оригинальность и кокетливость привлекали многих художников, которые писали с неё портреты. Этот создавался Сомовым на протяжении трёх лет, но с большими перерывами в работе из-за болезни Елизаветы Михайловны. Известно, что сама дама была решительно против продажи картины и говорила Сомову: «Я позировала Вам для Вас, для чистого искусства, а не для того, чтобы Вы получили за мою грусть в глазах». Несмотря на протесты модели, Сомов всё же продал портрет Третьяковской галерее, а через год 37-летняя Мартынова скончалась от чахотки.

«Тихий Дон» издавался по частям с 1928 по 1940 год. «Казачья „Война и мир“», как называли роман-эпопею Шолохова его современники, с первых глав завоевала любовь огромной аудитории и в то же время стала причиной неприятных слухов о писателе. Нашлись недоброжелатели, которые заявили, что Шолохов не является подлинным автором «Тихого Дона». Они считали, что авторство романа принадлежит убитому в годы гражданской войны офицеру, а Шолохов просто достал из его полевой сумки рукопись и выдал за свою. Против писателя играла его молодость — он начал роман в 22 года — и образование, ограниченное четырьмя классами гимназии. Но в подтверждение подлинности авторства Шолохова говорит множество известных фактов о его пятнадцатилетней работе над романом. Все эти годы он собирал истории о казачестве, его участии в Первой мировой войне и революции, а также изучал московские и ростовские архивы тех времён — некоторые главы романа полностью построены на этих документах.

«Арлекин и Пьеро» многими ошибочно воспринимается как картина, написанная одним художником, на самом деле это двойной автопортрет Яковлева и Шухаева. К созданию своих портретов в комедийных образах художники пришли не случайно: в Петербурге в 1911 году в театре «Дом интермедий» артистичные молодые люди по просьбе известного режиссёра Мейерхольда заменяли главных героев в постановке «Шарф Коломбины». Друзьям настолько понравился необычный опыт на театральных подмостках, что через несколько лет они решили запечатлеть себя в костюмах сыгранных героев — Яковлев в образе Арлекина, а Шухаев в образе Пьеро.

Несмотря на то, что картина датируется 1914 годом, в течение пятидесяти лет она не выставлялась, так как Шухаев сразу не дописал отдельные детали в своём автопортрете и только в 1962 году завершил работу. К этому времени соавтор полотна Яковлев уже был мёртв.

Пришвин по профессии был агрономом, а одна из первых его книг носила название «Картофель в полевой и огородной культуре». Неизвестно, многое ли бы дала его земледельческая деятельность стране, если бы однажды он не изменил свою профессию, увлёкшись художественной литературой.

Сказка-быль Пришвина «Кладовая солнца» о самостоятельной жизни детей-сирот основана на реальной истории. Всего за один месяц сразу после окончания Великой Отечественной войны Пришвин написал это произведение. До сих пор нет однозначного толкования его названия. Одни считают, что «кладовой солнца» автор назвал Блудово болото в Ярославской области, где происходит действие сказки, — оно считается хранилищем богатейших запасов торфа. Другие говорят, что Пришвин имел в виду не только природу, но и такие человеческие богатства, как сердечное тепло человека, его доброту и неравнодушие.

Лентулов был одним из инициаторов создания «Бубнового валета» — объединения художников начала XX века, желающих изменить привычные представления о живописи. Аристарх Васильевич много экспериментировал в области формы, особенно любил писать русские церкви, передавая причудливое богатство их архитектуры. В 1914 году на очередной выставке работ художников объединения «Бубновый валет» он представил полотно «Василий Блаженный». В этой картине Лентулов мастерски «разложил» знаменитый собор на отдельные красочные фрагменты, которые в совокупности не сделали его менее узнаваемым. Таким образом он хотел передать ярмарочный и броский образ России. Необычный стиль городского пейзажа для искусствоведов стал настоящей сенсацией, публика тоже была в восторге и восприняла картину как «красочное театрализованное зрелище».

«Рассказ о семи повешенных» основан на реальных событиях беспрецедентной даже для революционных лет массовой казни. Утром 17 февраля 1908 года четверо мужчин и три женщины были повешены на берегу Финского залива, а их трупы — сброшены в море. Все семеро являлись членами «Летучего боевого отряда партии социалистов-революционеров Северной области». Вооружившись револьверами и бомбами, они намеревались убить министра юстиции Щегловитова. Но террористический акт был пресечён полицией, а на следующий день отряд взяли с поличным.

«Рассказ о семи повешенных», темой которого стала история о последних днях жизни семи революционеров, автор посвятил Льву Николаевичу Толстому, активно выступавшему в печати против смертной казни. Андреев лично знал одного из участников «Летучего боевого отряда», также в процессе создания своего произведения он опирался на рассказы участвовавшего в ведении дела адвоката.

Константин Коровин — коренной москвич, однако он очень редко рисовал Москву. Чаще на его полотнах появлялся Париж, город, где долгое время жил художник. Именно поэтому больший интерес представляет его полотно «Москворецкий мост», написанное в 1914 году. Картина выполнена в стиле импрессионизма, характерного для творчества живописца. На холсте автор создаёт панорамный вид города, изображая мост через Москву-реку сверху. Коровин чётко прописывает Кремль с его башнями и соборами, старый мост и дома, которые ранее стояли на месте Васильевского спуска, но были разрушены в 1936 году.

За 32 года до Коровина, в 1882 году, два похожих вида Кремля с Москворецким мостом написал другой русский живописец Архип Куинджи. Но картины этих художников значительно различаются и стилем, и настроением пейзажа.

«Прощание с Матёрой» было написано в 1976 году, после того как автор лично пережил расставание с родной землёй. В этой повести Распутин рассказал историю родного села Аталанка в Иркутской области, которое с десятками других сёл было затоплено во время строительства Братской гидроэлектростанции. В послевоенные годы в стране происходила индустриализация — разрушение природных угодий для новых построек и сооружений было обычным явлением. Писатель вовсе не был против индустриализации, он был против безнравственного отношения к прошлому, ведь Матёра — это не просто место на карте, это остров, на протяжении трёх веков обживаемый русскими крестьянами.

Почти всё творчество Распутина было посвящено спасению земли, народных традиций и нравов. А из его повестей «Последний срок», «Прощание с Матёрой», «Пожар» можно сложить целую трилогию о гибели русского крестьянства.

Образ бравого русского парня Васи Тёркина был известен читателям ещё до поэмы «Василий Тёркин». Простодушный парень был героем сатирических стихотворений, печатающихся в газете Ленинградского военного округа, где работал Твардовский. Стихи о бравом красноармейце уже тогда пользовались популярностью, и писатель решил использовать этого героя в отдельном произведении. С началом Великой Отечественной войны Твардовский ушёл на фронт и только в 1942 году вернулся к работе над поэмой.

Первые опубликованные главы «Василия Тёркина» в 1942 году вызвали мгновенную реакцию в народе: поэму заучивали наизусть, перепечатывали в газетах и даже читали на радио. Твардовскому приходило огромное количество писем с фронта с просьбами продолжать произведение, а партийное руководство хоть и положительно оценивало рукопись автора, но упрекало его в отсутствии идеологической пропаганды и упоминаний о Сталине.

Свой исторический роман Солженицын создавал в строжайшей тайне. А в работе над ним автору помогала машинистка Елизавета Воронянская, которая совершила самоубийство, после того как в ходе допроса выдала КГБ информацию о местонахождении рукописи Солженицына.

Главной темой романа стали массовые репрессии в СССР, а в основу произведения легли письма и рассказы 257 бывших заключённых и личные воспоминания автора. Ранее, в 1945 году, из-за своих политических взглядов Солженицын был приговорён к восьми годам исправительно-трудовых лагерей и вечной ссылке в пределах государства. Свой горький опыт он воплотил в нескольких произведениях, в том числе и в «Архипелаге…», запрещённом к публикации в нашей стране вплоть до 1989 года.

Грабарь учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, но после его окончания предпочёл стать художником и в 1894 году поступил в академию художеств, где преподавал знаменитый русский живописец Илья Ефимович Репин.

«Мартовский снег» был написан Грабарем в 1904 году, когда он гостил у своего друга в подмосковной деревне Чурилково. На картине художник хотел изобразить обычный мартовский день, клонящийся к закату. На холсте всё говорит о приближении весны: снег тёмный и насыщенный водой, а на крышах виднеющихся вдали деревенских изб его уже совсем не осталось. Грабарь почти завершил работу над полотном, но на протаявшей тропинке случайно увидел спешащую за водой девушку с коромыслом и двумя вёдрами — художник тут же решил изменить сюжет полотна и запечатлел фигуру девушки в центре своей картины.

В основе сюжета повести «А зори здесь тихие…» лежит реально совершённый подвиг времён Великой Отечественной войны. Подлинная военная история отличается от повести лишь тем, что её героями были семеро мужчин, а не пять женщин. Семь самоотверженных солдат не дали немецкой диверсионной группе взорвать Кировскую железную дорогу, по которой доставляли для города Мурманска снаряжение и войска. Вооружённые лишь винтовками, солдаты приняли бой и держались до последнего, пока не подоспела подмога. После сражения в живых остался лишь один командир группы.

Об этом подвиге лично знал Васильев, который попал на фронт прямиком со школьной скамьи. За годы войны он принял участие во многих сражениях и даже командовал женским батальоном. Всё это время он наблюдал за людьми войны, в том числе за женщинами: радистками, медсёстрами, разведчицами и смелыми солдатами, сражавшимися наравне с мужчинами. Образы этих женщин, а также черты сверстниц по школе Васильева угадываются в героинях повести.

«Купание красного коня» впервые было представлено на выставке «Мир искусства» в 1912 году. Уже само место картины на этой экспозиции говорило о её исключительности: она висела над входной дверью. Для одних зрителей полотно сразу стало своего рода символом судьбы России, а для других — мишенью для острой критики.

И у юноши, и у коня, изображённых на картине, есть свой прототип: коня художник писал с реального жеребца по имени Мальчик в собственном имении, а для создания образа подростка использовал черты своего ученика, художника Сергея Калмыкова. Юный Калмыков за год до создания картины «Купание красного коня» Петровым-Водкиным написал полотно, в котором изобразил купающихся красных коней. Существует мнение, что именно эта ученическая работа вдохновила Петрова-Водкина на создание известного нам шедевра, резко выделяющегося среди полотен других художников начала XX века.

Одна из самых знаменитых картин Серебряковой появилась благодаря затяжной командировке её мужа в Сибирь. Лето 1909 года Зинаида, как обычно, проводила с детьми в Нескучном — небольшом имении в Курской губернии. С приходом осени художница решила остаться в имении, чтобы дождаться возвращения мужа. Зима в тот год пришла рано, и большую часть времени Зинаида была вынуждена проводить в деревенском доме, где начала рисовать свой портрет перед зеркалом.

По настоянию брата, художника Евгения Лансере, Зинаида Серебрякова послала автопортрет «За туалетом» и ещё 13 своих картин на выставку Союза русских художников, проходившую в редакции журнала «Аполлон» в Петербурге. Эта выставка принесла 25-летней художнице известность и успех: совет Третьяковской галереи приобрёл сразу три картины Серебряковой, отдавая предпочтение ей, а не работам уже прославленных мастеров.

Сергей Довлатов написал «Заповедник» в конце 1970-х, вскоре после того, как вернулся из Михайловского, усадьбы Пушкиных, где два сезона отработал экскурсоводом. Там писатель жил в деревне Березино, в доме, который, по его же словам, производил «страшное впечатление», а работал в восстановленном после войны пушкинском имении, где перед ним предстала целая палитра русских характеров, которые он с иронией описал в своём отчасти автобиографичном произведении.

В самом музее-заповеднике Пушкина Довлатова до сих пор не очень любят — ведь он изобразил героев своей повести такими, что не посмеяться над ними сложно. Однако автор не хотел обидеть конкретных людей: его «Заповедник» — это Россия в миниатюре, смешная, грустная, великая и низкая. И не Довлатов виноват, что она предстала перед ним во всей красе на таком маленьком клочке земли.